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　2023/11/10

DGの125周年演奏会に行った時にパンフを購入した。パンフは演奏会の案内とDGの誇る演奏家の写真集みたいな内容だった。この写真集を見るとDGが誰に重きをおいているのかわかる気がした。パンフ冒頭は演奏会の趣旨からして、小澤とムターの２ショット。物故者にはモノクロで１ページがあてがわれ、ホロヴィッツ・バーンスタイン・アバド・カラヤンだった。多数掲載されている現存演奏家の中で、カラー２ページ丸々あてがわれて、別格扱いが2人いた。その2人とはネルソンスとオラフソンだ。まぁ、ネルソンスはなんとなくわかるが、我々が思うよりオラフソンに対する評価はずっと高いようだ。今回のジャケ写もシンプルなれどいかにもDGっぽいではないか。見ていて嬉しくなる。

さて演奏だが、一言で言えば、究極のいいとこ取りである。冒頭ゆっくり、第一変奏快速。二元論的ではあるが、とにかく音が明確で綺麗。不必要なレガートも思わせぶりの表情もない。聴いていて「オラフソンの狙いは、ピアノでのHIPだな」と勝手に納得した。ただ、全てのリピートは実施しているものの、最後のアリアだけ省略しているのが個人的には嬉しくない。また、最後の一音も前打音抜き。人と同じことはしない、というオラフソンなりの意思表示だろうが、そこまで頑なじゃなくても良いんじゃないかな。

でも、この演奏を聴いて、もういつまでもグールドではないな、と私は思った。新しい世代ではベアトリーチェ・ラナもジョン・ロンドーもオラフソンも本当によく考えて自分を表現している。若いと言ってもオラフソン39歳。これからもっと期待しますよ。まずは来月の実演が楽しみだ。適度の響きの上に骨格が明白なこの演奏、私にはDGの特別扱いが頷けた。

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　2023/09/25

哲人サヴァールとて、万能の神ではない。原典版、改訂版の差異への興味よりも、サヴァールがロマン派に軸足を移し、どう言う演奏をするのかが楽しみだった。私なりの結論は「ちょっと残念」である。

なぜ残念か、メンデルスゾーンの6/8拍子快速楽章は、単純なリズムの上に彼らしい伸びやかな旋律が乗る、というパターンが多いが、これが意外に演奏が難しいと思う。旋律、リズムともにしっかり工夫しないと「もっさり」した演奏になる。サヴァールのこの演奏、いつもの通り、各声部が明確で、そのクリアさが「イタリア」の陽光を思わせる。しかしながら、リズムが重い。旋律線もごくごく普通。例えば、ムーティあたりを聴けば、その違いがすぐわかる。これはもちろんサヴァールの責任だが、もう一人責任があると思える奏者がいた。ティンパニの(推測でしかないけど)ペドロ・エステヴェンである。ペドロさん、ベートーヴェンの時同様、ガッツリ鳴らしてくるが、よくよく聴けば、微妙に遅い。これは録音のせいかもしれないが、聞けば聴くほど微妙にズレている。このコンビのモーツァルト後期交響曲集でティンパニがズレている
という批評（確か好録音探究氏だった）を読んだが、今になってそれがわかった。これがこの曲に必要な推進力を削いでいる。

第一楽章のことだけ述べたが、終楽章も重さを感じる。名曲ゆえに名盤も多いこの曲、サヴァールが過去の名盤を抜き去って・・と言う期待があったのだが、サヴァールであっても全て良いとは限らない。それはそうだ、そもそもがメンデルスゾーンなんて、我々ファンから見れば、サヴァールの異種格闘技みたいなものである。逆に言えば、こう言う演奏で良かった。こういう曲でも他に比して素晴らしかったら、それこそサヴァールは「万能の神」になってしまうところだったから。

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　2023/09/22

このディスクは名盤である、と最初から言いたくなる。まずはピアノ五重奏曲。名曲中の名曲。名盤といえば今更ポリーニとかゼルキンかい？と言いたくなるものの、では最近の好演奏があるかと言えば意外と少ないのではないだろうか。その中で登場したこの演奏、冒頭から引き込まれる。何が良いかと言うと、４つある。まずは各声部が極めてクリア。ここまで再現した演奏は聴いたことがない。また２つ目は音量調整がきめ細やか過ぎる。ピアノのギルトブルグを聞けばわかるが、表に音を出すのと、サッと引くのと、小節単位どころではなく、拍単位くらい細かい。かつ高音と低音を使い分けるのだから、まぁ唖然とするレベルである。もちろんパヴェル・ハースも細かい調整については負けてはいない。３つ目、そう言いながら、表情が濃い。ちょっと昔なら「彫りが深い」みたいな表現。ルバートはもとより、旋律線の歌わせ方が濃い。ちょっと昔なら「命を込めている」みたいな表現である。最後に録音が良い。優秀なエンジニアがいて、細かい単位で濁らないよう音量をミキシングしているのではないか、と思わせるくらい、音が鮮明。

Op.111がまた凄い。私、ピアノ五重奏曲よりこの曲が好きかも知れず、幾つも聴いてきた。この曲も残念ながら名盤多数とは言い難い。従来はメロス弦楽四重奏団とジェラール・コセの演奏がピカイチだったと思うが、やっとそれに肉薄する、いや録音を考えたら超える名盤がこの演奏である。何が良いかは前述と被るので略すが、とにかく歌わせ方が堪らない。

このディスク、ブラームスが好きな方々に、是非聴いて欲しいと願わくばいられない。この団体については、これからも注視したい。エベーヌも凄いけど、この団体も凄い。ブラームスの五重奏曲として、この２曲を選び、両方とも名演を繰り広げたこのディスク。無条件幸福である。

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　2023/09/21

このディスクリリースのニューニュースを聞いた時、まず頭に浮かんだのは、あの懐かしのフレーズ「夢の協演（共演）」であった。サロネンとエマール、共に今のクラシック界において、キレキレ番付の東西両横綱、みたいな二人である。この二人がタッグを組んで、バルトークの協奏曲全曲を演奏する、期待は高まる一方であった。

おそらく、シャープさを伴った熱演か、または相当クールな演奏か、どちらかと思っていたが、聴いた第一印象は後者だった。怪獣映画のような1番の冒頭から、もう余裕がありまくりで、「俺たちが普通に演奏すれば、それ以上のものはいらないんじゃね」という俯瞰した大人の態度。もちろんこの二人が手を抜くはずがない。押さえどころは押さえつつ、「難曲、頑張ってクリアしています」的要素が皆無。この演奏を聞くと、あのブーレーズさえ、真っ赤な顔をして演奏してたのではないか、と思えてくる。

サロネン・エマールの3番を聴くと,曲としての聴きやすさが却って曲の本質を隠している、と言う逆説的メッセージも聴こえてくる。これって、従来ならそれこそブーレーズの役目だった。彼亡き後、この二人はその役割さえも背負っているのである。

要はこの演奏が真の意味でのバルトーク作曲ピアノ協奏曲のスタンダードである。サロネンとエマールの演奏を聴いてから、他の演奏を聴くと、その他の演奏の良し悪しすらわかる、と言うとんでもないディスクだと私は思う。ますますこのお二方が好きになった。

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　2023/08/23

いやいや、このロバート・トレヴィーノ、なかなかの方である。調べたらメキシコ系のアメリカ人、御年39歳、その彼が指揮した4年前2019年、マルメのベートーヴェンフェスでの全曲ライブ録音。

さて。その演奏だが、１番を聴けばすぐ分かる、この方深い譜読みで斬新な解釈をするのではなく、「音楽に生気を吹き込む」タイプの指揮者。HMVのこのディスク紹介ページにある、トレヴィーノの日本向けサービス動画は見た方がよく、ポジティブさこそがベートーヴェンの本質だと発言し、その通りの演奏を繰り広げている。１番、2番はまさにそういうアプローチで、とにかく推進力重視、それが「重すぎず速すぎず、かつ全ての音が響く」という絶妙の塩梅。特に2番の終楽章は、骨格が明確な上に、ベートーヴェンが意図した音を有機的に鳴らし切るという稀有な演奏。終結部は生気に溢れ魅力的である。このアプローチは曲想から8番にも生きて来る。

エロイカはこの曲だからという気負いもなく、音楽自体の持つ力を最大限に出そうとする姿勢が素晴らしい。この曲でここまで力まないのは、素晴らしい見識である。と思っていたら、エロイカ終楽章の第二変奏で、いきなり弦楽器をソロで弾かせる。やはり細工はしたくなるものである。４番になると、少しボリュームを持たせつつも、少し物足りなくなる。ボリューム持たせた分、生気が犠牲になっているからだ。５番になり、再び重さを捨てて、3番までの路線に戻る。意図はよく伝わるが、こねくり回さない分全体にあっさり感が強い。もちろんこれがトレヴィーノの狙いだろうが、従来へのアンチテーゼというところを訴えたいという訳ではないので、あえて重量感を取り払っただけという感じが残る。しかし、第４楽章はこの指揮者の趣旨通り、前向きさが全面に押し出されており、聴く側も満足度が高い。その意味で明確に5番のクライマックスを終楽章に置き、逆算した演奏と言えるだろう。田園は脱力系の優しい演奏。４楽章だけは気合い入ってます。

7番は正直期待外れ。終楽章はそんな無茶振りじゃありません。カラヤンとかホーネックの方が早いかも。9番は同じ路線でのエラス＝カサドとか、アントニーニに比べると格が落ちる。

この全集、個人的には１、２、8番は名演。３、5、6番はよく練れていると思う。４、７、９番は数多の名盤に比して、ちょっと辛いかも。しかし、１、２、8番を聴けたのは本当にありがたい。まだまだ演奏には可能性が残っている。その可能性は無限だ、と思わせてくれたディスクでした。

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　2023/08/16

常に徹底した譜読みで、我々を感心させてくれるアダム・フィッシャー新盤はハイドンのロンドン交響曲集、その第一弾が登場。フィッシャー自身の前の録音を聞き直してみたが、前録音は目指していたのが「全集スタンダード」なので、よく言えば「かっちりした造形」であり、悪く言えば「個性がない」演奏だった。現在のフィッシャーは、ハイドンでまだやれることは多い、とばかりに再録音を熱望したのではないかと思える。モーツァルトも、シューマンも、メンデルスゾーンだって、まだ録音していないのだから。

さて演奏だが、いつもの通り独自の譜読み満載。93番の第二楽章などいきなりソロから始まって、思わずスコア見返してしまった。当然ソロの指定などない。でも、それがチャーミングなので納得、さすがと思わせる。９４番第一楽章の上行音形でのちょっとした装飾音符とか、第二楽章冒頭とか、考えられることは全て実行するフィッシャーの面目躍如である。とにかく聴いていて発見が多過ぎる。そしてこれがフィッシャーなのだと納得する。

加えて特筆したいのだが、今回フィッシャーは、弦楽器の音に拘り、敢えて、強く弾かせない。常に少し浮かせるようなボウイングで、ハイドンの交響曲から「重さ」を取り払った。一聴して手を抜いたような音なので、ビックリしたが、意図の明確さがわかってからは、透明感が表に出てくる。おそらく、ハイドンの頭にあったのは、こういう音響なのだろうと思わせた。

ハイドンのロンドン交響曲集は名盤が多い。私はミンコフスキとファイが双璧だと思っていたが、ここにまた、独自の存在感を放つディスクが登場した。このアプローチはフィッシャーという演奏家の己を賭けた覚悟であり、これに共感を覚える方には、間違いなく名盤である。

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　2023/07/27

1743年作曲のヴュルテンベルク・ソナタ（ヴュルテンベルク大公に献呈されたのでその名がついた）全６曲をキース・ジャレットが１９９４年に自宅スタジオで録音したディスク。何故今頃世に出てきたのか、についてはECMのHPにも記載されていないので謎のまま。「私はチェンバロ奏者がこのソナタを演奏するのを聴いて、ピアノ版にもなりうると感じたのです」とECMのHPにも記載はあったが、少なくてもこの曲の第１番にはグールドの録音があるし、そのくらいの検索はできただろうから、この話は鵜呑みにはできない。さて本題の演奏だが、父バッハの存命中の曲であるものの、明確に父とは違う路線。対位法よりも、もっとメロディと伴奏というスタイルで、明晰かつ音楽としては甘美。演奏としてはグールドよりも流線型で、ふくよか。楽器は、おそらくスタインウェイと思うが、ベーゼンドルファーのような柔らかい音を聴かせる。その結果、なんか最上のＢＧＭを聴いている気になる。なぜキースは数多ある鍵盤の曲からこの曲を選び、かつ自宅で録音までしたのだろうか？当然ながらお得意の唸り声など一切聴こえない。純粋に曲と向かい合った気持ちが伝わる。先ほどの「私はチェンバロ奏者がこのソナタを演奏するのを聴いて、ピアノ版にもなりうると感じたのです」という言葉は、キースがこの曲を取り上げたモチベーションだったのかもしれない。それにしても、エマニュエルバッハのこのソナタ、時代を先取りした名曲。かつ「６曲ワンセット」というのが、父へのリスペクトであり、嬉しくなる。難癖をつけるとやはりジャケット。「カール・フィリップ・エマニュエル・バッハ」と「キース・ジャレット」としか記載がない。曲目はない。なんとなく既視感バリバリのモノクロ遠近法写真と相まって、必要以上に地味になっているのが勿体無い。ところでキースは今懸命にリハビリ中だそうだ。彼の場合左手が動かないので、左手のためにある名曲が弾けないが、このディスクを聴くと、どういう形でも良いから、再びキース・ジャレットの新録音が聴ける日が来ることを祈らずにはいられない。

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　2023/03/28

マケラとパリ管弦楽団のデヴューアルバムは、あの音響の良い、フィラルモニ・ド・パリでのセッション録音。そういえば、オスロフィルとのシベリウスもセッション録音だった。最近はライブ一発取りが主流なのに、デッカがいかにマケラを大事にしているか窺い知れよう。昨年の来日直前の録音であり、当然来日公演の印象と重なる。春の祭典は一言で言うと「安全運転」である。ペトレンコがベルリンフィルと最初に出した「悲槍」と同じ印象。このコンビの実演も聞いたが、もちろん水準以上の演奏ではあるものの、コチラの期待値が高いせいもあり、数多ある先人の素晴らしい演奏に伍する、またはそれ以上かと言われると、そこまでではない。でも、ちょっと待てよ。

うちの会社にペトレンコくんとマケラくんが入社した。どうも二人とも相当優秀らしい。現に、早々その優秀さを発揮して、ペトレンコくんはベルリン営業部へ、マケラくんはパリ営業部から求められて配属になった。二人とも上々の滑り出しだったが・・ところが二人とも優秀は優秀だが、良い評判を背景に組織を牛耳ろうとし始めた・・となると古参の営業部員は黙っていない。そりゃそうだ。ベルリンもパリも歴史と伝統と、そしてメンバーには矜持がある。さあこの後、二人とも「どうする」ってところだろう。

話を戻すが、来日時もそうだったが、概ね春の祭典より火の鳥の方が評価が高く、このディスクも当然そうである。火の鳥の方が良い。何が良いかと言うと、マケラらしいというか、鳴らし方がとても上手いから。この曲の他のディスクは意外とここまで鳴らしていないと思う。それでもちょうど50年前に小澤征爾が同じパリ管を振ったこの曲のディスクのように「ほとばしる才気」みたいなものがない。マケラは今回もっとやりたいことがあったのかも知れないが、いきなりそれを強いて、組織との関係を悪くしては元も子もない。ディスクとして世に問うた以上、現時点では、両手を上げる訳にはいかないが、事情は理解してあげないと。そういうディスクである。

私はシベリウスの全集と2022年都響とのレニングラードを聞いたが故に、ファンクラブの会長を自称するほど、マケラに対する期待値が高いが、このディスクはマケラから「応援は嬉しいけど、もう少し冷静になってください」と言われたような気がした。

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　2023/03/26

この日本に「マーラーの９番はすごい曲だ」という印象を与えたのは、もちろん、バルビローリが初めだと思うが、私の年代だと、とにかくこのジュリーニ盤である。当時はクラシックの新譜をNHKーF Mで放送してくれて、そこでこのディスクを聴いた時の衝撃は忘れられない。当時の私はまだこの曲の第一楽章がどれだけすごいのか、ということがわからず、曲全体の雰囲気に惹かれ、とりわけ第四楽章に耽溺していた。年月を経て、この曲の第一楽章が西洋音楽史上、どれだけの価値があるのかを知って、（これは村井先生の著作のおかげでもある）このジュリーニの演奏がどれだけ凄いのかということも理解できた。春の祭典の凄さを世に広めたのがブーレーズなら、マーラーの９番についてはジュリーニなのである。特に第一楽章については、このジュリーニの演奏が白眉である。だから、この曲が好きならば、この演奏を聴かねばならない、とすら言いたい。このジュリーニの演奏を聴けば、他の演奏もわかってくる。このディスクを聴かれたことない方には強く勧めたい。

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　2023/03/15

こういう演奏が出てくるから、クラシックはやめられない。間違いなく、これは名盤である。昔、誰かがよく使ってたフレーズに「血の滴るような」みたいな表現があったが、まさにそれである。とにかく、聴けばわかるのだが、まずはヴィシェフラットの最後のしみじみ感がすごい。モルダウ（やっぱりこの呼び方がなじむ）は前奏の木管がチャーミングで、チェロが入ってテーマが鳴るとそれだけで泣きそうになる。こういう演奏を「心がこもる」というのだ。中間部のホルンもすごい。徹頭徹尾じっくり歌うのが堪らない。次のシャールカも冒頭からよくここまで出来る、と感嘆する。4：50くらいの盛り上げも素晴らしい。曲の終わりに向けての畳み込みは頭がさがる。４曲目も強く主張するところと柔らかく演奏するところのニュアンスがの差が素晴らしい。それでも、もしかしたら、このディスクの白眉、クライマックスはターボルかもしれない。怖いくらい冷静に始まり、響きを凝縮させて、心の内側に響かせるような音楽。そうだ、これはケーゲルのアリアと同じ種類の音楽だ。切なさとかそういう感情を音楽に最大限押し込める音楽。つらくもあり救われる音楽でもある。ブラニークはある意味余裕がある。曲が曲だけに従来からも深く踏み込んだ演奏は多々ある。だからこそルクスはもちろん踏み込むが、全身全霊というよりは、やや客観視している。それが我が祖国の締め、として効いてくる。イケイケだけでは、ダメなのだ。最後に来てあえて引く、これが本当に曲を大きく見せる。許教授のみならず、この曲が大好きなサイトの管理人も絶賛するこのディスク。我が祖国、が好きであろうとなかろうと、このディスクを聴かないと間違いなく損をする。



最後に、全曲聴き終わって、このジャケ写を見たら、泣けてきた。
我が祖国は時空を越え、永遠なのだ。
本当に素晴らしいディスクだ。心から感謝したい。

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　2022/11/30

このディスクを聴いて、メルニコフというピアニストがすごいという事がわかった。メルニコフは硬質で辛口である。でもその度合いが徹底していて、高度な結晶みたいな演奏だと思う。確かにこの演奏を聴くと、他の皆さんは緩く聴こえてしまうかも。しかし、聴き比べたら、メルニコフの凄さはすぐにわかる。このディスクはメルニコフの代名詞である。この名曲のファーストチョイスと断言することに些かの躊躇もない。

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　2022/11/13

これは確かにゴールドベルク変奏曲史上、
最も優しい演奏ではないか。
どうして、こう言う演奏なんだろう。
モダンピアノのクセして、優しくて。
聴き入ってそう思った。

確かにこれは、聴かないとわからない。
そう言うレベルの演奏です。

ああ、でも実演でこう言う演奏聴きたい。

ただ、リピートの省略が多いから
これに拘る方にはアウトかも。

それでも「優しさ」は唯一。
皆様にも聴いて欲しい、と思うディスクです。

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　2022/11/12

あら、１番と４番以外にこっちも出ていましたか。
この演奏、この値段、絶対マストバイです。

シフがどうして指揮に拘ったのか
私は知りませんが

この２番とエロイカは
本当に締まっている。
読みも深い、教わることも多い。
シフって、そういう音楽家だったのか。
改めて、そう思う。

特にエロイカは
多様な表現を受けいれる曲です。
でもこのディスク
重厚長大な、そう言う表現とは
少し違うけど

でも、良いんです。
何が良いか？
それは皆さんが確かめて欲しい。

もう一度言います。
このディスク。
この値段なら、「マストバイ」

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　2022/11/12

一言で言うと、「これは良い」です。
このディスク、知っている人は少ないと思うけど
埼玉の某サイトが絶賛して
この良さを知る人が増えたと思います。
私もその口です。

で、実際聴いたら。
その通り！

聴かないのは損です。
シフって、チェロでしょ？
それが何で？とか
先入観は捨てて
とにかく聴きましょう。

それほどの名盤です。
２番とエロイカもありますが
まずはこれから。

ハインリヒ・シフ
早世が悔やまれます。
具体的なことは言いませんが
聴いて欲しい、と願わずにいられない
そう言うディスクです。

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　2022/09/09

このアルバムを聴くと、自分が固定概念にいかに囚われているか、がわかる。室内オーケストラによるブラームスは、ベルグルンドのものが有名だが、彼は色付けなしでブラームスのあるがままを出そうとしたが、フィッシャーはもっと踏み込んだ。１番を聞けばわかる。冒頭のティンパニの響きから、引き締まった表現で「これこそがブラームスだ」と訴えかける。ベルグルンドと違うのはフィッシャーはとにかくアーティキュレーションに拘り、テンポを動かす。それが本当に考えた上での事だとよくわかる。その結果何が見えてきたか。１番の終楽章など、本当にいびつな曲だと間違いなく教えてくれる。本当に意図的にウケ狙いしているような、ブラームスの中でも特異な曲なんだよ、と気付かせてくれる。その意味で、全集を通じて、ブラームスのベストフォームは交響曲じゃないんだよ、と逆説的にフィッシャーは教えてくれる。２番の２楽章は気味が悪いし、３番の３楽章もスケルツォを諦めた苦し紛れの諦念だと言うし。４番の冒頭も旋律じゃなくて音形なんだと言う表現。終楽章ではなんとスル・ボンティチェロまで出て来る。まさに徹頭徹尾、スコア読み込んで浮かんだアイディアを全て書き出し、吟味を重ね取捨選択し、それをオケに徹底する。素人の想像を超える膨大な作業と思う。単に従来のアプローチへのアンチテーゼではなく、これがフィッシャーの考えるブラームスなのだろう。誰に対して、と言うわけではないが、「悔しかったらここまでやってみろ！」と言いたくなって来る。しかし、この演奏はメジャーオケでは無理だろう。練習時間の確保はもとより、絶対従来型の演奏に慣れた固定概念が抵抗勢力になる。ベートーヴェンの全集に続き、そんな凝り固まった固定概念に挑戦したフィッシャーの矜恃と見識、私は頭が下がる。でも従来型のいびつな曲想を覆い隠し、歌い上げる演奏も聴きたくなる。この演奏に惹かれつつ、そうじゃない自分もいる。自己矛盾に苛まれる。それでもジャケのフィッシャーは、「それでいいんだ、考えなさい」と穏やかに語りかける。しかし、その後ろにはうっすらと厳しい顔をしたブラームスが睨みを利かせている。まさにこのアルバムの縮図ではないだろうか。モノクロである理由がわかった気がする。