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ロック音楽の作曲とレコーディングを1年半ほど続けた後、私は頭をすっきりさせる必要がありました。私は、物事が突然起こるのではなく、徐々に起こるような音楽を聴き、作りました。モノマシンなどにパッチをセットし聴き、ある音が別の音に変化するのを聴き、しばらく聴いてからパッチに変更を加え、徐々に要素を追加し、最終的にはその場で音を操作するのです。すべてのトラックは、オーバーダビングなしでCDバーナーにライブ録音され、1台か2台のマシンで実行されました。

ほとんどクリス・ワトソン、ピーター・レーバーグ、ベルナルド・パルメジャーニ、CMフォン・ハウスヴォルフ、ヤナ・ウィンデレン、オーレン・アンバーチ、ハザード、ブルース・ギルバート、クララ・ルイス、池田亮司などのアーティストばかり聞いていましたが、ビートルズ時代にジョン・レノンが自宅で行ったテープやメロトロンの実験、ボウイの「ステーション トゥ ステーション」の最初の1分間の出来事など、私の心象にもインスパイアされていますし、 . ..And The Gods Made Love by Jimi Hendrix、Iggy PopのMass Productionという曲のシンセサイザー、そしてイーノのアンビエント・ミュージックの最初のコンセプトの一般的なアイデアなどです。

音楽は音空間における孤独な彫刻である、というのが主な動機づけとなった考えでした。彫刻の写真を見ながら、動きと静止を同時に伝える音楽を作ろうと思っていました。特に音符やリズムの連続を避け、急激な音楽の変化を控えた。実際、この音楽は単音を超えないシーケンスで作られており、多くの作品は1つのパターンで作られています。優れた彫刻家が、作品の周囲を歩く人の目に合わせて形を変えたり、太陽の位置が変わったりすることで表現するような動きを、シンセパッチで表現しています。

こういう音楽は13歳くらいから聴いていたんですが、作るには拘束されるイメージがあって、手が出せないと感じていました。でも、実際に作ってみると、そんな遠慮はまったく感じない。ある建物を作りたい、ある動きを聴きたい、そしてそれが完成した時にわかる。私の計画には、音符やリズムのシークエンスが入る余地はなかったのです。

この音楽は、ただ存在することを追求し、リスナーを操作したり、つかまえようとしたりすることは一切ありません。大音量で集中して聴けば効果的ですが、小さな音量やバックグランドでも効果的だと思います。静寂の条件下で静寂と競い合うこともできるし、喜んで静寂を一掃することもできます。

(メーカー・インフォメーションより)